ニエプスが設計図を引き、ダゲールが組み立てて、遠近法の確立をするために出来たカメラ・オブスキュラを化学作用で定着させる光を描く機械（カメラの語源はここからきています）が、1839年8月19日、つまり、今日から177年前の今日に天文学者で代議士でも合ったアルゴーによって、フランス学士院で開催された科学アカデミーと芸術アカデミーの合同会議の席上で写真術（Photograph）を詳細に発表されました。

この日を記念して、世界的な写真の日となっています。

ちなみに、日本の写真の日は6月1日ですが、これは日本写真協会が定めた「写真の日」で、上野彦馬が1841年6月1日、日本で初めて写真を撮影した日と言うことで、日本写真協会が制定したそうです。

この発表を聞いて、パリの歴史画家ポール・ドラローシェは「これで明日から絵画は死んだ」といったそうです。それほど写真は絵画の世界に衝撃を与えたのです。

そして、現在デジタルカメラとPhotoshopという画像処理ソフトが出現した時に「フィルムは死んだ」と言ったカメラマンがいたそうです。

現在、自由に画像処理できる簡単便利なソフトが生まれてきて、紙媒体からインターネットを通じて誰でも簡単に写真を発表する機会が増えています。

今まで写真家が作品を発表する方法といえば、写真集や個展などでしたが、現在ではインターネットを通じて、個展や写真集の販売数を軽く上回るだけの人に写真を見てもらえる時代がきました。

これを良しとするか否かは結論付けられませんが、粗製濫造も多く、写真の質の低下を危惧する声は多くなっています。

今一度、考えるべきことは、写真は何のためにあるのか、誰のためにあるのかです。

記録することが写真の目的ではありましたが、現在ではそれだけでなく、コンテンポラリーアートとしての「写真」が認知されてきています。

その結果として、アンドレアス・グルスキーやピーター・リクのように3億円・7億を超える価格でオークションで取引される写真もあるのです。

これらは、作品としての価値が認められているという証ですね。

他にも、多くの写真家（アーティスト）が億単位の取引がされています。

これらは、フィルムやデジタルによらず世界的な評価を得ています。

絵画においても、ドラローシェの心配をよそにもちろん高額な評価を得ている作品は沢山あります。

これらが生き残る、というよりより高く評価されてるのは何故でしょうか。

それは、作品にエネルギーが感じられるからです。

抽象的で良くわからない絵画であっても、写真であってもそこにエネルギーを感じるから人は評価をしているので、単純に造形的な美しさだけではありません。

つまり、このエネルギーを感じる作品というのは作者の思い（氣と言ってもいいでしょう）が作品を目の前にすると感じるものなのです。

これらを感じさせる作品とは、単純なソフトでは感じることは出来ません。

作者のエネルギーはそのプロセスを通じて発せられるものなので、既存のソフトや簡単便利機能で撮った作品には感じることが出来ないのです。

簡単便利な写真の世界から、本当の写真とは何か、この機会に考えてみることが大切ですね。

なにかで聞いたことがあります。

全ての答えは自分の中にある。

写真とは何か、本日は内省検討するいい機会です。

写真を趣味とする人なら誰でも考えるのは、簡単便利でうまくいく方法は無いのか？

だと思います。

そんな方法があるなら、是非知ってみたい。

そういう方も多いと思いますが…

実は、あるんです。

でも、教えてくれる人は殆どいません。

何故でしょうか？

教えるにも、そのことに気づいていない人が多いからです。

写真の講師（皆さんの声を多く聞ける立場なので）をしていて、気付きました。

飛躍的に作品が上達する人と、ある程度上達してから完全に進歩が止まってしまう人。

コンテストに数多く入賞しているにもかかわらず、常に悩んでいる人。

実は、写真コンテスト応募が写真のライフスタイルになっている人の全てと言っていいでしょう。

なぜなら、大きな賞を取ると次回はそれ以下では納得できません。

ましてや、後輩が自分よりも上位の賞を受賞したら、自分の価値が下がったと感じてしまう。そう感じないとしても、焦りや苛々が募ります。

趣味なのに、なんでそんなに苦しむ必要があるのでしょうか。

一方、好きでやっているのだから上手くならなくても良いんだ。楽しめればいいので、コンテストにも応募しないし、サークルや教室に参加しても進歩向上を目指すこと無く、シャッターを切っているだけという人も少なからずいます。

もちろん、趣味ですから自由ではありますけど…

本当に、それでいいと思いますか？

それで趣味といえるのでしょうか？

皆さんは、三昧（ざんまい）という言葉をご存知でしょうか。

知っているかというのは、字面の意味を知っているのかということではなく、実践をしているか、身体に染みいるほどに意味を体感しているかということです。

三昧とは一心不乱にその事をすること。

一心不乱とは、一つの事に集中して、他の事のために心の乱れることがないこと。

一方、道楽とは、本人の品位を損ね、自堕落になったり、他人に迷惑をかけたり、家庭環境を破綻させたりするおそれのあるものも含まれる。という言葉もあります。

ということで、趣味の中にはこの２種類があります。

写真を趣味とするならば、やはり写真道楽ではなく、写真三昧のほうが良いですね。

私の知人が、このような名言をいいました。

仕事を極めようとすると趣味のようになり、趣味を極めようとすると仕事のようになる。

この言葉を聞いた時に、至言だと感じました。

前置きが長くなりましたが、写真を趣味として三昧の境地、もしくは、その境地目指している方がこのブログの読者だと思いますので、秘訣を公開します。

それは、構成学を学ぶことです。

写真の構成、構図とは何か、造形デザインを意識して学ぶことです。

現在の写真は、バウハウスデザインの流れをくむ写真家が多く輩出しています。

アンドレアス・グルスキー、石元泰博、杉本博司（敬称略）など、多くの写真家がバウハウスの影響を受けています。

写真を構成する要素やデザインとは何かを知らずして、写真の効果的な構図を捉えることができるでしょうか。

単純に、三分割法や、S字構図、黄金分割程度の知識で、構図の意味がわかるでしょうか。

目の前の状況から、一瞬の判断をして撮影をしなければチャンスを逃してしまう写真なのに、じっくり観察して分割を意識するだけでいいのでしょうか、そもそも構図のバランスが良くても被写体としてイマイチなものをねらって、三分割構図にしたら作品としての価値があると思いますか。

今一度、構図とは構成とは何かを、構成学から学んでみましょう。

そのためには、名作と言われる写真を見ることです。

一流の作品を見ることが大切です。

そして、構成に関する知識と見識をもつ指導者のもとで学ぶことが大切ですね。

情報は、その多さに価値があるのではなく、意味のある情報のみを得てこそ情報の価値がでます。ネットは多くの情報を得ることはできますが、まさに玉石混淆です。

正しい価値を見極めるには、そのための知識が必要になります。

丁度、カメラの説明書を読んでも、そもそもカメラのことをよく知らない人が読んでも意味不明なのと同じですね。

Web講座メンバーの方よりこんな記事を送っていただきました。

↓　↓　↓

http://nlab.itmedia.co.jp/nl/articles/1601/31/news029.html

問題の論点よりも、大喜利状態が結構笑えましたが…

さすがにフェイスブックだなという気がしました。

それはともかく、

現在の写真コンテストで、合成禁止はかなり厳しいとは思いますね。

仮に禁止にしても、本当に見抜ける人が何人いるでしょうか？

今回の受賞作品は分かりやすく合成という感じだったのですぐにバレたのでしょうが、本当に真剣に合成されたら殆どわかりません。（今回は応募した人が謝罪したそうですが…）

一般のコンテストでそれだけのスキルがないからわかりますが、今後のソフトの開発レベルを考えると全くの素人がやってもわからなくなる可能性も出てきます。

そうなると、それを解析する機械が必要になりますね。

確かに、未だに合成不可というコンテストは結構あります。

私の審査した経験のあるコンストではこれとは逆のケースがありました。

合成だとリークされて、受賞取り消しになった例です。

入賞後に、同じ所属するグループの人からリークされて審査をしなおしてみたら、確かに修正しているということで、受賞取り消しになりました。怖ろしいですね。

その作品を見せていただきましたが、はっきりといえますが、修正はしていませんでした

修正したと思われる部分を聞いて確認をしてみましたが、やはり修正はしていませんでした。

大袈裟に言うなら冤罪です。

その時の審査員は、デジタルをよく知らないフィルムカメラの先生だったそうです。

先ず、第一に合成か否かを問題にしだすと、審査時間が相当かかりますし、見抜けないと審査員の目が疑われます。

もちろん、

報道写真コンテストは濃度等のレタッチも禁止です。

芸術性を問うているのではなくその瞬間が重要ですから当然といえば当然ですね。

合成に関しては、どこまでを合成というのでしょうか？

例えば、フィルムでも多重露光で撮影したら、1枚の写真ではないので、合成？

レタッチで明るさを調整するのも合成に当たるのかもと言って、ビクビクしている人もいます。

これは、修正ではありません。

第一、これを修正というとフィルム時代からプロカメラマンは殆ど修正しています。

例えば、ヤラセだったどうですか？

ヤラセかどうかを見分けられますか？

Coffeeをひっくり返した瞬間を撮影した写真があったとしたら、それは偶然かヤラセか分かりますか？

一々、これらのことに目くじらを立てるよりも、審美性や作品の持つ内容やイメージに注目して審査をすればいいのではないでしょうか？

そういう意味では、写真のコンテストも華道家や書道家、美術評論家や造形家など様々なジャンルの人が審査したほうがいいのではないでしょうか。

審美眼のある人達を応募終了後に、ランダムに集めて審査することが写真の最もいい審査法な気がします。

ランダムでないと、事前に順位がある程度決まってしまう可能性がありますからね。

この意味わかりますよね。(^o^)

今回発売されたLightroomCC2015（Lightroom６）は様々な改良が施されていますが、中でもHDR処理は、今までの概念を一新した写真家が望む本来のHDRを実現するソフトです。このソフトによって、写真家が望む本当に表現したい領域にまた一歩近づきました。まずは、動画をご覧いただき、素晴らしい機能を是非実践してみてください。デジタルは効果的なソフトと仕上げのスキルが合致した時に写真仕上げの表現力が向上します。是非お試しください。

今回、3つの動画をブログにアップします。

回折現象・撮影モード・プロが絞り優先を使う理由です。

全て、絞りが絡んだ内容です。

写真は「絞り」がキーワードのひとつですね。これは、本当に実感します。撮影会などで聞かれる質問の第一位は、「絞りはいくつで撮ればいいのですか？」です。

そして、よく勉強している人は「回折現象が気になるから、絞り込むことはしません」という意見です。

勉強不足の質問と勉強過多の質問の代表例です。（ちょっと厳しい意見でスミマセン）

写真は知識や技術はとても大切です。

そして、知識や技術が表現に大きく作用するARTでもあります。

しかし、です。

本末転倒になってしまっては意味がありません。

知識は実践によって高められるものであって、それを証明して始めて本当の知識になります。他でも書いていますが、私は学生時代モノクロ現像をありとあらゆる現像液を使って現像しました。そして得た結論は、処方箋による調液と特定のフィルムの組わせで最高の結果を得られるとわかったのです。これは、実験を重ねた結果の成果です。

その後の写真に関しては、この考え方がベースになっています。知識を鵜呑みにせず、実験を繰り返してこそ得られる真理こそ、本当の知識です。

Web講座では、このようにして得た知識や技術を惜しみなく提供しています。

何故なら、知識や技術は鮮度が大切だからです。今得た知識や技術は、今伝えてこそいみがあり、調味期限切れの知識を得ても何の意味もないからです。

よって、講座の内容は変化し続けます。普遍なものもありますが、変わり続けるものもあります。

その中でも、絞りは普遍と行っていい知識だと思います。

この動画はセットでご覧になることで深い理解が得られます。

是非、繰り返しご覧ください。

花型フードはカッコイイ、プロっぽい。高級レンズの証。などと思っている人はいませんか。

花形フードは意味があっての形です。それは広角レンズから望遠レンズまで使えるズームレンズの場合に、広角レンズで画面にフードが写らないように工夫した形なのです。

よってカッコつけるためではありません。

そういう意味では望遠側のフードとしては十分とは言いがたいですね。

よって、広角レンズでも望遠レンズでも単レンズのフードは花型ではありません。

ということは、付ける位置が少しでもズレているとフードが写ってしまいます。

フードが写らないように正確な位置に付けることが大切です。

フード同様に広角レンズ側では、フィルターにも気をつけましょう。よくある例が保護フィルターをつけたまま重ねてPLフィルターをつけている人がいます。これは画角によって、フィルターが写ってしまうことがありますから要注意です。

デジタルなら写った跡でわかりますが、フィルムカメラではわかりませんので、絞りを最小絞りまで絞り込んでプレビューボタンを押して、蛍光灯や白い壁など最も明る所で四隅を見てください。

ケラれていると角丸になってみえます。

写真撮影は常にパソコンで処理するものではなく、撮影時にすべてにイメージをつくり上げることが肝心ですが、写真制作の内容によっては跡からの処理が必要になる場合があります。フィルム時代はかなり高度な処理が必要でしたが、現在ではデジタル処理で比較的簡単に作業が可能です。ここで注目していただきたいのは比較的という言葉です。単純に簡単という意味ではありません。デジタル処理は簡単というのは、適当にやるならということであり、それはモノクロプリントが簡単という意味と同じです。

モノクロプリントの奥深さは、プリントをしたことがない人にはわからないでしょうが、少なくともある程度の作品を仕上げられるようになるなら毎日暗室に入って作業をしても、三年はかかるでしょう。もっとかかるといっても過言ではありません。更に、仕上げのレベルが高くなってくるほど奥が深くなり、そう簡単に思うようなプリントが出来ません。デジタル処理も同じで、はたから見るほど簡単ではありません。よって、正確な写真のスキルを持った人の指導を受けなければならないのです。

ということで、今回は多重露光のような効果をレイヤーで行う方法を説明します。

もちろん、全く同じものにはなりませんが、今回の処理内容を覚えておくことは将来の仕上げの作業にとって必要不可欠な要素です。繰り返しご覧になり要点の把握と、スムーズな処理が出来るよう繰り返し練習してみてください。

夜明けの海を撮影するにはハーフNDは必須と言って良いアイテムです。今回は3段階露光量が落ちるND8（0.9）を使用していますが、実際の撮影に関しては手で持って撮影をせずに必ずホルダーアダプターを装着して撮影してください。指が写る場合が多いので要注意です。尚、露出も補正をしましょう。オートで撮影するとオーバーになることが多いのでAEロックをするか、マニュアルがオススメです。

特に、イルミネーションや露出の輝度差の多い被写体の場合、全てマニュアルで撮影することが多いのでマニュアル操作が即時出来るようにスキルアップしましょう。

秘訣は繰り返しです。それも、撮影現場で繰り返し練習しましょう。特に夜景などでは操作にもたついている人を多く見ます。（実際には殆どですが…）

カメラ操作は撮影現場で繰り返し操作することです。明るい部屋で時間がたっぷりある中でゆっくりとマニュアルを見ながら操作できても、現場では殆どパニックなって役に立ちません。暇があったらカメラの操作を繰り返し練習をし、撮影現場でまた繰り返し実行する。これしかありません。

最近のデジカメも多重露光が付いているものが沢山出てきましたが、ほとんどの方は使っていないようですね。多重露光をするよりもレイヤーを重ねて処理したほうが簡単だから、わざわざ多重露光は必要ないと思っている方も多いのですが、多重露光とレイヤーで重ねるのでは仕上がりが全く違ってきます。今回の動画で比較してみてください。

逆光にはフードよりも傘。これが私の定番スタイルです。

何故、フードを使用しないのか。

これには、3つの理由があります。

1.カメラバックにしまう時に、レンズを裏返して装着しないとレンズキャップが装着できないのと、そのままでは場所をとってしまう。

2.風の強い時にフードの面積分、風の影響を受けやすい。

3.フードは一度装着すると光をカットしてくれるので便利ですが、レンズに装着している都合上、画角までの範囲以外は光をカット出来ません。

以上の理由です。

しかし、傘ならばもっとカメラから離した位置から光をカットできます。

光のカットとは、レンズに入る光をカットするという意味ですが、この意味がわからない方がいるので、もっと簡単言うとレンズに日陰を作るということです。

レンズに光が入っている状態とは、レンズが日向にあるということですね。ですからこの日向を日陰にしてあげればいいのです。

レンズ直前のみで光をカットしようとすると、どうしても距離的な問題があり、光がレンズ内に入ってしまいます。よって、少し遠い位置から日陰を作ってあげるとレンズが傘の日陰の中に入るので光が入らないということです。

その効果は動画で御覧ください。

レタッチに後ろめたさを感じたことがありませんか。

写真は真実を写すものだから、写真というのだ。だからレタッチはやっていはいけない。という人もいます。

確かにドキュメンタリー・記録写真であればそうでしょう。

しかし、アートとしての表現は全く違います。

フィルム時代から、現像処理、プリントテクニックを含めてアートな表現を目指す人々は殆どと言っていいほど、画像処理をしていました。

ただし、ブラックボックス化して公開はされていません。

仮に公開しても素人の手に負えるほどの簡単なものではありません。

しかし、デジタル全盛の今はソフトで高度な写真表現がスキルさえ身につければ誰でも可能です。（それほど簡単ではありませんが、フィルム時代からしたらかなり難易度は低い）その前に、この障害（加工の後ろめたさ）を払拭しましょう。

センスがないとお嘆きの方。

あなたは間違っています。センスは誰にでもあるのです。

では、どうやって開発するのか。

答えは環境です。

感性を磨く環境にあれば人は誰でも感性が磨かれていきます。

動画を御覧ください。

撮影で傘が有効であるということは既ににお伝えしているのですが、未だに（残念ですが…）
雨が降りそうだったり、降った時にしか持ってこない人が多いですね。

ひどい人になると持ってきても使わない。

というよりも、どこで使っていいのかわからないのです。

まずどこで必要でしょうか

傘は逆光対策にも使えます。

ただし、黒い傘にしてください。

透明な傘は、雨の日には活用できますが逆光では役に立ちません。

当たり前ですね(^^)

これからは、このブログは出来る限り動画でメッセージをしていきます。

3分程度の簡単に視聴できる内容です。是非繰り返しご覧になって、写真のスキルアップにお役立てください。

更に、詳しくキッチリと基礎知識や技術の習得を目指したい方はWeb講座を受講されることを強くオススメします。現会員の方のスキルアップは眼を見張るほどです。

皆さんはエル・ブジという名前のレストランをご存知でしょうか。

スペインにある世界一予約の取れないレストランだそうです。

一日に５０人のお客様しか受け入れずに、一年のうちに半年のみ営業。残り半年は閉店し料理の研究をしているレストランだそうです。

今年、お店を閉店して研究所にする予定だそうです。（もう出来てるかもしれませんが…）

何故、このような営業形態なのでしょうか。

それは、クオリティを優先しているからだそうです。

世の中には多数が成功というイメージが有ると思います。

量は質を超えるのか。

質が重要で量は重要ではないのか。

写真は量を撮ることで内容がよくなる。という発想がありますが、果たして本当でしょうか。

私の写真学校での生活は毎日フィルム３本を撮影して、帰宅して現像、プリントを日課にしました。４×5になってからは週に3箱程度撮影をしました。

デジタル全盛の現代ではそれほどの枚数ではありません。

しかし、フィルムの場合は、撮影をして、帰宅してフィルムをリールに巻き取り、

現像液の温度を調整して、現像・停止・定着、そして水洗全て完了するまでに準備から初めて2時間はかかります。

その後フィルム乾燥してスリーブ状にカットするまでに1時間程度かかり、印画紙現像液を作成して、すべての液を適正温度に調整してプリント終了までに最低3時間程度要します。

それを乾燥する時間を含めて1~2時間程度。

よって、合計で7時間はかかる計算になります。

7時頃から初めて深夜2時頃迄かかります。

1年間これをほぼ毎日続けました。

とても有意義な時間であると同時に、現像やプリントのスキルアップには本当に役立ったと思っております。

しかし、同じ方法がいいとは思いませんし、必要ないと思っております。

現在はデジタルカメラで撮影してプリントまでに、せいぜいかかって2時間です。

平均時間は1時間程度です。

一回の撮影で50枚を超えることも、ほぼありません。

そんな少ない枚数で作品が出来るのか、と言われます。

作品の質が良いか悪いかは別にして、多種多様な撮影とプリントがスキルアップできるかといえば、甚だ疑問です。

それならば、ひとつの作品をじっくり時間をかけて仕上げていくという方がスキルアップするのではないか。

という発想でデジタルになってから取り組んだ結果、多くの技法やスキルが上がっていきました。

私の講座では、他の技術解説書にはない手法が沢山あります。

これはすべて実証により導き出したものです。

実証とは何か。

それは、フィルム時代にこだわったフィルム現像とプリントとの関連性をデジタル処理に照らし合わせて分析して、ツールを組み合わせて銀塩写真に匹敵する（それ以上）クオリティを表現するという意味です。

まさに、研究を繰り返して実証し、その結果を皆さんに伝授しているわけです。

この方法は年々進化しています。時には技術そのものを見なおしたり、新しいソフトを利用した方法で仕上げたりします。

デジタルは技術革新が日々行われており、今までは表現できなかった領域が、新しいソフトによって簡単に実現できることもあります。

ただ、そのソフトはあくまで料理で言う調味料のようなものです。

アクセントにはなっても入れすぎたり、少なすぎたりすると無味乾燥な作品になり、バランスの悪い味の作品になってしまいます。

この技術は、料理で言う素材の扱い方、調味料、火加減ということでしょうか。

一例を言いますと、Photoshopの範囲選択はほぼ使用しませんし、焼き込み、覆い焼きはしますが、焼きこみや覆い焼きツールは使用しません。

これは、デジタル的にはOKでしょうが、写真表現的にはNGだからです。

写真の仕上げは感覚が最優先です。

人は殆ど感性で物事の善し悪しを判断しています。

そこに理論があるのですが、まずは感性優先の方法が大切になります。

この技術・感性を磨いていただくのがWeb写真講座です。

Webの利点は動画を何度も繰り返して見ることが出来る点です。

人は話を聞く途中でわからない言葉があると、そこに意識が集中してしまい。

その後の話を理解できなくなります。

理解できないうちに話が終わってしまいます。

つまり、わからないまま進んでしまう。

たとえ、その場で分かったとしても、帰宅して時間が経ってからでは内容が曖昧になりメモを見ても思い出せない、ということがしばしばあります。

その点で動画はなんどでも見ることが可能です。

ただし、レスポンスが悪いのが欠点です。聞きたくてもすぐに聞けない。

実はこれもそれほどデメリットではありません。

わからないと思っていても何回か見ているうちに分かる時（ほとんど）があるのです。

それでも分からない時は、メールで質問が出来ます。

しかも、その内容によっては動画での回答もあります。

これによって、スキルアップします。更にはプリントの添削もあります。

この添削によって、仕上げのワンポイントレッスンが受けられます。

この繰り返してレベルアップしないわけがありませんね。

実際に、現在受講されている方々は、講座が進むにつれて作品仕上げのスキルがみるみるアップしていっています。

最後に、よくある質問ですが、メルマガ登録会員にのみ案内せずに何故広く募集しないのか、ということです。

実際にホームページにもWeb講座のコーナーはありますが、パスワードがかかっていて会員以外に見ることは出来ません。

Web講座の金額も内容も記載されてません。

強いて言えばyou tubeに募集期間のみ動画が配信されているだけです。

金額も出ていません。

これは、本当に当サイトの趣旨に賛同している方のみ限定したいとの思いからです。

人が集まれば誰でもいいというのではありません。

当サイトの写真に対する理念に共感していただいた方、つまりメルマガ会員の方にこそレベルアップしていただきたいのです。

とりあえず集めて一度でおしまい。

という講座ではなく、写真表現の極みを目指していただきたい、そのためには限定したメンバー募集、人数制限が必要になります。

多くのスタッフを抱えて、多くの受講生を集めるという方法では儲けは出るでしょうが、受講された方々は使い捨てされた感覚になるはずです。

時に厳しく感じることがあるかもしれませんが、極みを目指すなら覚悟が必要です。

高い山を制覇するためには、時に辛い時や、息苦しいときがあるかもしれませんが、全力で応援をいたします。

そして、頂点を極め雲の上まで上り詰めれば、そこには快晴しかありません。

講座募集は、私自身が指導できる限界が来たら終了になります。

ぜひ、この機会をお見逃しなくご参加ください。

デジタルカメラによって写真の表現領域は、広域になってきました。

撮影と露出のスキルはフィルムから変わっていませんが、

仕上げに関して言えば、多くの方が迷子のような状態になっています。

つまり、行き先が見えずに迷ってのです。

なぜ、そうなるのでしょうか。

もちろん、PhotoshopやLightroomなどソフトの使い方に慣れていないというケースも有りますが、写真仕上げに関してはソフトの知識や技術だけでは解決しない大きな問題があります。

それは、観察眼です。

フィルムで撮影する場合は、必要のない観察眼がデジタル仕上げ（レタッチ）には必要です。

たとえば、シャドー部分の階調です。シャドー部分は光が当たっていないからシャドーなのですが、光の当たっている被写体を仕上げでコントラストをあげようとした時に、当然シャドーもコントラストが上がってしまいます。

これが不自然だと言われる所以です。

では、シャドーとは何か、について考えてみましょう。

大きな部屋にスポットライトが一部あたっていると想像してください。

そのスポットライトの下に白紙を置いたら何色でしょうか。

白ですね。

では、光の当たっていないところまで白紙を持って行ったら同じ色に見えるでしょうか。

グレーに見えますね。

これが、赤だとどうでしょうか。

光の状況によりますが、黒っぽく見えるはずです。

つまり、同じ色には見えずに彩度が低く、実物よりも暗く見えるということです。

ということは、仕上げの際にはシャドー部分の彩度を低くすることで、自然に見えるわけです。

逆に言うと透過光で花びらが鮮やかに見えるときに、肉眼では彩度が高く見えるので、彩度を高めに仕上げても違和感を感じません。

他にも多数、写真の写りと実物が違うことは多く、撮影しただけで写真になるかといえば殆どの場合は違うということです。

デジタルで撮影されている方は、よく被写体を観察して、写真で再現する際に調整して自然に表現できるようにスキルを磨きましょう。

最後に、逆説的ですが、写真は忠実に再現することが正しい訳ではありません。

作品の内容によっては、コントラストを強調したり、弱めたりしますし、あえて彩度を低く表現することもあります。

このあたりが写真の難しさといえる部分かもしれません。

このために講座があるのです。

写真表現を確実にレベルアップさせるならば、的確な判断の出来る人に指導を受けることがスキルアップには必要不可欠といっていいと思います。

手前味噌ですが、当サイトのWeb講座は、その点に力を入れています。

写真は今後どうなるのか？

ある雑誌の中で写真家やキュレーターなど写真に関わりのある人々がテクノロジーが写真にもたらしたものを特集していました。現在、そして未来はどう変わっていくのか。

さまざまな識者の意見をまとめると、写真は2つの局面を持っているということに行き着くようです。

まずは、インデックスとしての写真です。索引、見出しというような意味です。

つまり、フェイスブックやその他メディアでみる写真は記録や記憶の断片のようで短時間で消滅していくものです。たとえネット上に残っていたりしても、それは時間の経過によって価値がなく、単なる断片化した記録に過ぎなくなってしまうものです。

よって、鮮度が重要なのです。

もう一つは、ARTとしての写真。ARTで写真を捉えるとするなら、記録であっても、そこにはオリジナリティがあり、確たる写真が存在するのです。

その写真とは、プリントということです。

つまり、プリントなくして写真（ART）ではないということです。

プリントの大きさや質感はネット上で再現できないもので、モニタ画面の色は全てが違うと入っても過言ではありませんし、解像度もモニタと写真では極端に質感が違うということです。たとえば、マット紙（無光沢）でプリントした作品をネットで見ると光沢で透過光源で見えてしまいます。

大きさもそうです。作品が1ｍを超える作品であっても、ネットで見ればモニタサイズ以上に拡大はされません。

よって、実物（オリジナル）を見なければ、作品の価値は分からないということになります。

写真を趣味と考えている皆さんは是非プリントで作品表現してください。

プリントすることによって、写真は生命が宿ると言っても過言ではありません。どんなにモニタ上で美しくともプリントして美しくなければ、写真としての価値は生まれてきません。

作品の息吹をシェア（共有）するにはプリントが必要です。

テクノロジーに変化があっても、仕上がった作品が写真である以上、フィルムであってもデジタルであっても写真であることに変わりはありません。

プリントこそが写真。

そこにはデジタルもフィルムもなく、ただ写真という事実が存在しているのです。

まぐまぐのメールマガジンでも紹介しましたが、黒手袋の具体的な使い方の動画とサンプル写真です。

この場合、条件がありますので改めて解説をします。

1.レンズフードで光をカットできるような太陽の位置が高い場合はフードで撮影。もしくは、傘や光をカットできるボードを使用します。

2.黒い手袋を必ず使用する。光があたって反射しない手袋が良い。色物は色が反射して色調が変わってしまう場合があります。

3.絞りは開放にしますので、デジタルカメラを使用している人はライブビューでピント合わせをしてください。フィルムの方はライトアングルファインダー等ファインダー倍率の高くなるツールを使用します。

4.確実にフレアーを除去しようとすると手袋が画面に写ってしまうので注意してください。

最後に、応急処置的な方法なので、常に有効とは限りません。しかし、今回の場合は、十分効果がありましたので使用条件は色々とテストをして役立ててください。

 作品は、今週の作品コーナーにて公開しております。

ご覧になりたい方は、メルマガ登録をお願いします。一両日中にパスワードを発行します。3日たっても連絡がない場合は、問い合わせコーナより問い合わせをお願い致します。

写真を始めて上達してくると、写真の難しさが見えてきます。

その中でも最も難しいと言われるのが、写真の仕上げです。

写真は、絞りやシャッタスピードの組み合わせで露出が決定され、その露出をコントロールして作品のイメージの基礎ができあがります。更に仕上げによって、イメージを明確に「写真」として形作っていきます。

単純にシャッターを押すだけで写る写真も、コントロールして表現するという観点から見ると複雑多岐にわたって、どうにも難しい。

よく言われます。

しかしながら、この技術や知識をたくさん得ても作品の仕上げは一向に向上しません。仕上げのプロセスをなぞるだけでは写真を仕上げるために大切な感性が身につきません。

かと言って、闇雲にあっちこっちいじった挙句に、よく分からないので元に戻したというのでは、これも進歩向上しませんね。

仕上げのスキルに関しては多くの情報を手取り足取り聞きながら（書類をみながら）やっても意味がないのです。ある程度の情報から意味を読み取ろうとする努力と、その着地点を探る努力がスキルアップになるのです。

口を開けて餌を得ようとするよりも、つまづきながらでも、試行錯誤して解決しようとすることで力が得られるのです。

これこそまさに啐啄同時です。

つまり、我慢できること、努力できること、指導者なり上級者の意見を素直に聞けること、指導される能力が最も大切になるのです。

思ったことが思うように出来ないのは、どこかが間違っているのです、その間違いこそが、もっとも必要なスキルを身につけるチャンスです。

繰り返し努力をして、その後少し休んで一旦全体を眺めてみる、そうすると必要な何かが見えてきます。

どうしても分からないときに、指導者や上級者に聞いてみましょう。砂漠に水が染み込むようにスッと体得できる筈です。

今回は構図のポイントについて解説をしてみます。

まず、サンプル1を御覧ください。

苔と植物の緑、そして滝の白さのバランスがよく美しい情景ですが、左斜面の土が爽やかな印象を阻害しています。

サンプル２を御覧ください。

こちらの作品では、滝をメインにするのではなく、緑を主題に構成しています。滝の水量が左側に多く、徐々に奥の苔むした岩と植物が見える状況なので、構図バランスを左から右方向に向かって動きを表現していきます。

つまり、明度のグラデーションを画面の切り取り方で作り上げていくのです。

この際に重要になるのは、シャッタースピードです。

滝や渓流などの水の流れを撮影するときには、シャッタースピードを遅くすると白さが目立ってしまうし、速すぎると柔らかさがなくなってしまいます。よって、今回のサンプルにような小さめな滝の水量（通常の渓流）であれば1/4～1/8秒が最も適当です。

シャッタースピードを調整するために、絞りの調整やND・PLフィルターなどを使用して、露出を1/4から1/8の間で撮影してみましょう。

尚、デジタルカメラであればISO感度を調整するのも選択肢のひとつです。

ISO400　200ｍｍ　ｆ6.3　1/6sec　-0.7補正（PLフィルター使用）

写真は、MONO（物）を見る目が大切です。

殆どの人はMONOを物としてみています。たとえば、洗濯バサミ。

機能を追求した形は、まるで魚のように見えてきます。

この見えるということが大切だと思います。

風景でもスナップでもそうですが、既存の発想だけで被写体を捉えると、そこから新しい何かが見えてこない。

ひまわりを撮りにいけば、ひまわりしか見えない。山を撮りにいけば山しか見えない。お祭りでもそうです。

もちろん、本当に見えないのではなく、見ていても被写体として見ていないということです。

写真を撮るときの心構えは、「地球に始めて降り立った宇宙人のような気持ちで見ることだ」と言われています。

そんな気持ちを持ち続けられると、写真を撮ることが飽きてこないですね。

もう一つ大切なことですが、

真似しましょう。

いい作品を見たら、ドンドン真似をしましょう。

そっくり真似できたら相当なものです

真似しているうちに、いつしかオリジナルになってきます。

何故なら、この世に同じ人は一人としていないからです。

表現は100人いれば100通りあります。

真似しても絶対に真似できません。

でも、真似しようとするうちに技術や感性や視点が理解できてきます。

このことは、仕上げ（レタッチ）の技術向上にも役立ちます。手前味噌になりますが、Web講座はこの方法をとっています。

いつでも新鮮な気持ちでいることは、脳が若返っているという証拠です。

赤ちゃんや子供が、何にでも興味を持つのと同じです。

この文章を読んでいる皆さんは大人（だいぶ大人の方多いと思います^^;）ですから、散漫な興味を持つのでなく、写真表現を通じて全てのMONOに興味を持つようにしましょう。

ここがポイントです。

写真表現に集中して興味をもち、常に写真で考え、見て表現してみる。

本当に大切です。

楽しんで、色々なものを被写体として撮影してみましょう。

そして、評価は偏見のない見方ができる上級者にチェックしてもらってください。

これが最も大切です。

写真は焦点距離（レンズのｍｍ数）によって決まる。

これは、写真上級者なら納得できる事実です。

写真を趣味としている人は、レンズの構成を標準域を含む標準ズーム（24-80mm）と、望遠ズーム（80-200ｍｍ）などを中心に揃えています。

もちろん、更に広角、望遠のズームレンズを揃えている人も沢山いますが、基本的には全ての画角を用意することが多いですね。

風景写真においては、その作品の性格上レンズのラインナップは重要ですが、撮影に際しては、撮影者の撮影しやすいポジションから撮影されることが多く、撮影意図よりも、撮りやすさが最大のポイントになっています。

今回のサンプルは同じ被写体を、レンズの焦点距離を変えて撮影をしています。

左の作品は、苔と緑の葉を中心に緑色の構成で、パースを強調せずに構成して静かな佇まいとしての渓流を表現しています。

右の作品は、左作品の左1/3程度の位置にある苔むした岩（左端の大きな曲がった枝で位置関係がわかると思います）にかなり近寄り、渓流の中に三脚を設置して手前から奥へ遠近感を強調して撮影をしています。

全く同じ被写体で、同じような比率で構成された作品ですが、印象が全く違っているのが分かると思います。

写真は、今回のケースのようにレンズの焦点距離で全く異なったイメージになります。

よって、安易にズームレンズを使って画角を決めるのではなく、撮影イメージを思い描いてから、レンズの焦点距離と撮影距離を決めて撮影する癖をつけましょう。

そのためにはレンズの画角を把握する必要があります。撮影地に着いたら、写真のイメージを明確に作り上げ、そのイメージに沿ったレンズのmm数を決める。

これは普段から意識しないと身につきません。カメラを持っていなくとも、イメージした画角と実際のレンズのmm数がどの程度であるかシュミレーションしてみましょう。これをドライシューティングといい、アンセル・アダムスも推奨しています。

これにより、レンズの把握やイメージの想定ができてくるようになり、写真の仕上げも上達します。

殆どの人は、写真撮影と仕上げ作業は別物だと思っていますが、上級者になればなるほど、仕上げのイメージから撮影をするようになります。

デジタルであれば、レタッチを含めた表現。フィルムであれば、ラボでの現像仕上げを想定して、露出やフィルターを決定する必要があります。

この意味がわかった時、レベルアップへの扉が開いたといっていいでしょう。

※今回のサンプル写真は共に、ISO100、ＰＬフィルターを使用しています。

学校教育の現場でよく聞く「落ちこぼれ」という言葉があります。

授業の内容について行けない時に、そう言われますね。

ところで、

人の能力は千差万別で、数学が得意な人もいれば、国語が得意な人がいます。

それを、押しなべて能力をあげようとするから「ついていけない」ということになるのです。

よくある例ですが、天才はひとつの能力に優れているものの、他の能力が極端に劣っている場合があります。逆に言うと、このギャップをして天才といえるのかもしれません。

つまり、ひとつの能力に長けている場合、長けている部分への集中力が高い分、他への意識が劣るのではないでしょうか。

写真の場合も一緒です。

スナップが得意な人もいれば、風景が得意な人もいる。

感覚的に写真を理解する人もいれば、論理的に理解しなければ納得出来ない人もいます。

私は写真を感覚的に捉えるタイプですが、感覚は人に伝わりにくいので説明はどうしても論理的な観点から伝えるようになります。これは言葉を使用する以上、仕方ありません。もちろん、できるだけ皆さんに理解しやすいように論理的な解説の中に感覚的な要素を織り込んで説明しようとしていますが、理解のスピードには個人差があるのです。

この個人差こそが個性なので、理解するスピードが違いは、全く問題ありません。

感性で物事を把握する人に論理的な説明をすれば、理解に時間がかかり、論理的に物事を把握する人に、感覚的に説明をすれば、理解に時間がかかるのは、当たり前です。

デジタルが主流の現在では、基本的なパソコンのスキルが求められます。これは完全に論理の世界です。感覚は通用しません。

写真を仕上げる際もそうです。

ブラシツールを使った後に、スタンプツールを使いたければ、ブラシツールを終了して、スタンプツールを選択しなければ使用できません。イメージ的にこうしたいと思っても、全て選択、完了という作業が必要になります。大体こんな感じ、と言うのは通用しないのです。

ところが、感性（イメージ）は、大体こんな感じ…なのです。

しかし、写真の能力を高めるためには、このギャップを埋めることが、写真全般のスキルアップに繋がります。

いままでの経験から言うと、理解の初速が早い人は、ある程度進むと鈍化して、初速の遅い人は、ある程度進むと伸び率が高い。

結論をいうと、ある程度のスキルをマスターするためには、同じぐらいの時間がかかるのです。

つまり、ついていけないと感じている人は、初速が遅いだけなので、全く心配ないということです。

写真は誰でも簡単に始められる趣味ですが、極めようとすると、とても奥深い趣味です。

長いスパンで理解してこそ、その真髄に触れることが出来ます。

最初のつまづきで、諦めたり、投げやりにならずに続けてください。

趣味は、学校教育と違って卒業（一定レベルをクリアしたとき）に期間の制限がありません。

周囲の人が短期間で理解しても、自分は自分のペースでスキルアップしていく。童話のうさぎとカメの話ではありませんが、自分のペースでスキルアップする人ほど、成長力が高いという実例は枚挙に暇がありません。

デジタルカメラと画像編集ソフト（LightroomやPhotoshopがその代表格です）は写真の世界を一変させたといってもいいですね。

カメラのデジタル化とPhotoshopの出現は、写真業界の革命的な出来事です。それは歓迎と批判を伴って、現在まで成長してきました。まさにデジタル革命と言っても過言ではないでしょう。

こう書いてくるとデジタル礼賛とも受け取れる内容ですが、デジタルは決して特別なものであると私は思っていません。

写真は、デジタルであるか否かが問題なのでなく、仕上がった作品によって評価がされるのです。

最近、ドイツのアンドレアス・グルスキーの作品で、ライン川を撮った作品がオークションで3億4千万円という高額な価格で落札されました。

この作品はデジタルです。そして、それより以前ですが、日本の写真家である杉本博司の海景という作品も1億円以上で取引されています。杉本氏は、銀塩フィルムと8×10のカメラで撮影をしており、デジタル処理は一切行っていません。

このように、写真は内容が良ければデジタル・銀塩を問わず高価な価格で取引されているということです。

最近では写真はコンテンポラリーアートのひとつのジャンルとして定着しています。

もちろん、これらの作品の質感や描写力は抜群で、迫力と美しいプリントが魅力であることに疑いはありません。

ところで、話はぐっと身近なことになりますが、最近のコンテストの審査をして感じるのは、粗雑な仕上げが増えているということです。

コントラストがやたらに高い、彩度が高すぎてトーンジャンプしている。シャドー領域を覆い焼きしていない等、とても鑑賞に耐えない作品が目立ちます。

つまり、自己満足の領域を出ていない仕上げになっているのです。

写真は、メディアがアナログからデジタル主流になろうとも、人間は生身から機械に変わるわけではありません。

人が持つ五感、そして、第六感に至るまで昔とほとんど違いがありません。

人が美しいと感じる感性は、生まれながらに持っているそうで、これは学習により感じるものではないそうです。

しかし、どうしたら美しく表現するかは、学習が必要になります。

写真の仕上げが、暗室（Darkroom）から明室（Lightroom）に変わろうとも

表現（仕上げ）することに変わりはありません。

たとえば、ネガに感光された濃度によって階調が再現されるのと同じように、ヒストグラムは光の感光濃度を表しています。

モノクロに使用するフィルターで赤やオレンジ・黄色などのフィルターで撮影をすれば、フィルターと同じ色は明るくなり、補色は暗くなります。

ホワイトバランスは、色補正（CC）フィルターと色温度変換(LB)フィルターと同じです。等など…

これら、フィルムで必要だった知識は、デジタルでも健在です。

というよりも、写真を理解するうえで大変重要な知識であり、スキルになります。

私自身は、フィルム時代に培った知識やスキルをデジタル処理に置き換えて画像処理をしています。ですから、単純にソフトの解説書とは違う処理方法も沢山あり、それを教室やWeb講座で公開しております。

確かに、最近のソフトは長足の進歩を遂げました。しかし、先程も書きましたが、鑑賞するのは機械ではなく人間です。

ソフトやデジタル上では正しくとも、人の目は、細部や全体を見通すことが出来る眼（審美眼）を持っています。

その意味でもクラシック（伝統）を無視して、写真は成立しないと思っています。

デジタルカメラが全盛な現代において、写真は撮影するだけでなく、レタッチをして、作品を完成させることが写真ということになっています。

以前にも書きましたが、これこそ本来の写真です。

自分の作品に命を吹き込む作業が仕上げですから、この仕上げの部分をプロとはいえ他人に任せるのはARTではありません。

たとえば、モノクロは、多く種類の現像液があり、撮影をして現像するときにその中から作品のイメージに合ったものを選択して現像をしました。

粗粒子にしたければ、ISO感度をあげて撮影をして、増感特性に優れた現像液で増感現像をする。

場合によっては、印画紙の現像液を希釈して高温現像をして粒子を目立つ仕上げにすることもしました。

そのためにはフィルムとの特性と、現像の技術を磨く必要があります。

撹拌方法や時間、温度の組み合わせが作品のベースとなるネガになるのです。

この作業は、今のRAWデータを現像する時と一緒です。

RAWデータは撮影後に色温度やコントラストを表現したいレベルに調整できます。

大きな違いは、デジタルはやり直しが効くということです。

これが最大のメリットです。

今までは理想のフィルム現像に辿り着くまでに、多くの失敗と時間を犠牲にしなくてはなりませんでしたが、今では時間がかかるとはいえ、やり直しが効く。これはデジタルの優れたところです。

ところがこれがアダになるのです。

やり直しが効くから、何度でもやり直す。結果、どう仕上げていいか分からないということになります。答えがひとつであれば何とかなりますが…

それと、もっと大きな罠があります。

それは、パソコンのスキルです。

今までとは違い、手先の感覚や繰り返しによる技術向上と感性（濃度やコントラストを決める部分）が必要だった写真ですが、パソコンを介して写真を仕上げる現在においてはパソコンのスキルが写真仕上げに必要だと誤解されています。

写真はあくまでも感性が大切で、パソコンやソフトの知識があるから美しい写真仕上げができるのではありません。

よって、基礎的な知識しか持ち合わせていない人が、きれいなプリントを仕上げることができ、パソコンやソフトの知識がある人が、策士策に溺れるの言葉通り、レタッチし過ぎで酷いプリントになってしまうケースが多々有ります。

こう聞くと技術は必要、感性だけで、後は濃度とコントラストさえ上手くいけばなんとかなると誤解されそうですが、そうではありません。

あくまでも、仕上げは、その仕上げた内容が重要であって、技術を披露する場ではない、ということです。

徹底的に技術を駆使しても、その跡が見えないように仕上げる。

そのためには、ソフトの使い方が大切になるのです。

便利なものほど使い方が重要で、多機能なものであっても、機能に振り回されない。

これを実現するには、作者の作品を仕上げるイメージが明確になっていなければなりません。

高度な技術の習得と、それを感じさせない仕上げの美しさを目指しましょう。

パソコンやソフトを習得して、それに振り回されず、コントロールできるすべを身につけるのが教室やWeb講座であると私は考えています。

あえて厳しいタイトルにしましたが、このタイトル否定的な意味ではありません。

実は、最近の齢を重ねた方のパワーに驚きを感じているという意味です。

少し前までは、80歳といえば完全なご隠居（失礼）でしたが、今の80歳はバリバリ現役な方が沢山いらっしゃいます。実際、当サイトで開講しているWeb講座でも、なんと御年83歳(教室では87歳が最高齢)の方がいらっしゃいます。しかも、かなり優秀です。相当な努力をされているのだと推察されます。なにより凄いのは、努力できる氣力が充実しているということです。私の尊敬する哲学者は90歳をすぎても講演を行い、人々を指導しておりました。年齢による体力低下は致し方ないものですが、氣力だけは年齢とは関係ない、そう思わせる人々が沢山いらっしゃいます。

もし、年齢のせいにしたくなったら、こういった方々を思い出してください。

ある本にこう書いてありました。人は年齢を演じているのだと、今の若者は今の若者らしく、病人は病人らしく、老人は老人らしく演じているのだと。

余談になりますが、こんな光景を以前見ました。病院の待合室で待っている患者が、隣の人と雑談をしていました。とても元気に、屈託のない笑顔で雑談に花を咲かせていました。声にも張りがあり、身振り手振りを交えて、それこそ全く病気を感じさせない程です。すると、院内にアナウンスがあり、名前が呼ばれたその人は、急に顔色が変わり、如何にも具合が悪そうに診察室に入って行きました。正直びっくりしました。その後、病院に行った際は（ほとんど行くことがありませんが、過去8年で1回だけ）待合室の患者を観察していますと、多かれ少なかれ病人を演じている人が結構います。

余談が長くなりましたが、要は、現在の自分は、自分自身が決めた結果の姿だということです。自信のある人は、自信あるように振る舞い、自信のない人は、まさに自信無さげに振舞っている。

大成功を収めている著名な経営者の方がこういっています。

人生うまくいきたかったら、人を心から褒めなさい。そして、自分をもっと褒めなさい。

至言です。

自分を卑下せず、人も認める。この姿勢こそ、大袈裟に言うと人生を楽に生きるキーワードだと思います。

教室やWeb講座で、ご縁を頂いた方のお陰で、多くの方の、心の姿勢と結果を見ていると、本当に身にしみて実感をする毎日です。

写真は進化する芸術です。時代とともに変化をし、批判・否定されても時代によって、常に新しく生まれ変わっていきます。だからこそ、柔軟な姿勢が問われます。これが、脳の活性化に良いと言われています。

是非、皆さんも氣力溢れて、楽しみながら、最高の趣味である写真を極める努力（悦楽）を体験してみませんか。

最後にひとこと、写真を始める（極める）のに遅すぎるということはありません。写真を始めたい（極めたい）と思った時が、BESTなタイミングです。

sample写真は、全てクリックすることで拡大できます。

注）拡大すると霧にモアレが出ていますが、これはWebサイズに縮小しているために発生しているもので、実際の画像には出ていません。

写真はまずイメージ（完成画像）があり、その完成画像を逆算して撮影に至る。

私は常々このように言っています。

この時に、よく質問されます。

どうしたら完成のイメージを想像できるのですか。

全くイメージが湧きません。

との質問です。

この答えの前に、写真の前提条件について知っておく必要があります。

それは、写真と現実は違っていて、同じ階調・色調では写らないということです。

次に、写真は強調と省略によって表現する媒体であるということです。

よって、見た目通りにプリントしようとすることが、その条件から外れているということです。

その前に、見た目とは何かですが、実は見た目ではなく、感じていたことが見た目であると判断している場合が多いのです。

たとえば、上のサンプル写真ですが、霧が移動してる瞬間をタイミングを変えて撮影しています。

殆どの人は霧の写真だから最も霧が深い時がいいであろうと判断します。

そうなるとsample3ということになりますね。

ところが、この原版はあまり霧の質感を表現するには適していません。

何故ならコントラストが低すぎるからです。

では、ハッキリとしているsample1はどうでしょうか。

これでは、前景の木立がはっきりしすぎて、霧の中という感じが十分に表現できません。

ということで、sample２が最も霧を表現するという意図にあっているタイミングであると判断できます。

このように、単純に霧の撮影であれば、霧がかっていればいいというのではなく、どのタイミングで撮影するか。ということにも意識をおきましょう。

この意識が習慣化すれば、仕上げのポイントが見えてきます。

霧の感じを十分に表現しながら、手前の木立も霞まずにシャープに表現できるタイミングで写真を撮影し、仕上げで強調をしていくのです。

つまり、霞んだ感じは、より霞んだ感じに、ハッキリしている部分は、明瞭に表現していく、全体の画面上重要ではない奥の木立の幹より、中央のダケカンバの白さとコントラストを強調しながら質感を出していく。これにより中央のダケカンバが主役であると表現されます。

つまり、主役にスポットライトをあて、脇役はその主役を引き立てるようにするわけです。この意識があれば写真の仕上げが格段に進歩します。

もちろん、それを可能にするスキルを身につける必要がありますが、まずは主役と脇役を認識する。この意識をもって、構図とタイミングに磨きをかけましょう。

今回は、基本に戻って望遠レンズの使い方です。

群生している花を撮影する場合、背景をボカして群生している様子を表現することが多いのですが、更に効果を上げる構図テクニックとして、前ボケがあります。前にボケを入れることで、ソフトなイメージと群生している様を表現できるので、望遠やマクロ撮影などでは多用される表現です。

しかし、ファインダーを覗いて前ボケ撮影したにもかかわらず、写った写真は綺麗にボケていないことがあります。

これは、絞りが原因です。絞りを絞っているにもかかわらず、ファインダー越しの画像は絞り開放で見ていることで起きる現象です。

例えて言うなら、開放絞りがF4のレンズを使用して、絞りをF16にして撮影している時に起きる現象なのですが、実のところ前ボケの撮影は、絞りよりも撮影距離とレンズのミリ数（焦点距離）がとても重要になります。

結論をいうと、前ボケを効果的に撮影するには、できるだけ望遠を使い、前ボケにしようとする被写体をレンズの近くにレイアウトして、ピントを合わせる被写体と背後にぼかす被写体の距離が離れているところを選び撮影をします。

更に、絞りは開放近くにすることで効果を発揮できます。

よって、どんな被写体でも前ボケとして効果がだせる被写体では無く、前後にボケる被写体が撮影ポイントになります。

撮影に際しては、ファインダーを覗いてからレンズのミリ数を決めるのではなく、あらかじめレンズのミリ数を決めてから、被写体に近づいてその画角に収まるように自ら動き構図を決める。この方法こそ写真撮影の基本です。

まさに、写真撮影はレンズのミリ数（焦点距離）ありき。

補足になりますが、このボケの効果はセンサー（フィルム）サイズにより効果が違ってきます。同じ絞りを使用してもセンサーが小さいとボケにくく、大きいほどボケやすくなります。通常の使い方であれば、コンパクトカメラは、前ボケ撮影は効果的に表現できません。

【撮影データ】

sample1: 640mm  f6.3   1/250sec 中央部重点測光　+1補正　ISO400

sample2: 300mm  f5.6   1/320sec 　評価測光　　+1.3補正　ISO400

皆さんは「啐啄同時」という言葉を御存知ですか。

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http://www.eonet.ne.jp/~jinnouji/page9/houwa/page178.htm

折にふれて、何度も述べているので、知っている人も多いとは思いますが、今回は物事を修得するための秘訣です。

写真のみならず、ひとつの趣味を極めようとすれば、努力は欠かせません。

独学という言葉があります。これは先達者の指導を仰ぐこと無く、独力で習熟しようと学習すること（Wikipedia）ですが、正直にいうと、この方法はある程度のスキルを身につけてから行うことが大切です。

全くの初心者が独学で、写真を学ぶ（学ぶという感じではありませんが…）時に、誤った情報と正しい情報が分からずに混乱してしまう。もしくは、繰り返し同じ失敗を続けてしまうことが多くなります。

この状態を続けていると、才能が無いと勘違いして諦めてしまうことにもなりかねません。

まずは、写真の技量と知識を持った人に師事し、徹底的に指導を仰ぐことが写真上達の早道です。

ただし、受け身ではいけません。

徹底的に師事した内容を形（写真）にして表現することが肝心で、ただ聞いてわかったつもりになっているだけでは、分かったとは言いません。

そして、態度も重要です。弟子（生徒）は師事する態度が大切で、指導される力がなければなりません。

指導者には指導する力がなければなりませんが、指導を受ける人は、指導される力がなければならないのです。

指導された内容を聞いていて、言い訳をする。写真を撮らない。実践しない。自分で検証をせずに、すぐに質問する等、積極性がない態度では、どんな優れた指導者についても、成果を得ることは出来ないのです。

つまり、指導者をリスペクトして、貪欲に指導を受ける。この態度が大切です。

どんなに良い環境であっても、その環境に感謝せずに、不満を持ちながら餌を口に運んでくれるのを待っている雛のようでは成長は望めませんし、独学できるレベルにもなりません。

マンネリや成長を阻む殻を破るためには、啐啄同時の精神でいきましょう。

そのような逞しい弟子（生徒）であれば、師匠（先生・先輩などの先達者）は必ず応えてくれるはずです。もし、面倒臭いという態度をとる師匠であれば、師事を仰ぐ必要のない人です。

そのぐらい、師弟関係は真剣でなければなりません。

最近は、Lightroomを使って仕上げることが一般的になりましたが、そうはいってもPhotoshopでしか出来ない、もしくは効果的に表現できないものも多々あります。その中で、最も利用価値の高いツールがレイヤーマスクです。（上の画像レイヤーマスクの画像をクリックすると拡大できます）このレイヤーマスクは一昔前まではPhotoshop Elementsでは処理できませんでしたが、現在は作成可能です。（Elements10からだったと思います）

このレイヤーマスクは新規レイヤーには、はじめから付いていますが、画像を複製した場合は付いていません。そこで、レイヤーマスクをつけるには、レイヤータブにある日の丸のようなアイコンをクリックするとレイヤーにマスクを付けることが出来ます。

こうすると画像レイヤーの右横に鎖のようなマークと白い四角い画像が表示されます。これがレイヤーマスクです。

このレイヤーマスクを選択して（選択されると黒枠が白枠に変わります）左端にあるツールパレットからブラシを選択して、ツールパレットの下にある白と黒のアイコンを黒にして（英数モードでXキーを押すと上と下の色が変わります）ブラシで画像を塗っていくと、画像が黒くならずに画像レイヤー下にあるレイヤー（今回の例は背景）が徐々に出てくるのです。

この黒い色は「マスク」となりますので、マスクによってレイヤー画像が隠れるので下のレイヤー（背景）が見えるようになります。

このようにして、今回のサンプルのようにモノクロでしか表現できない階調を出したレイヤーを作成して、ブイのカラーを出すためにレイヤーマスクで一部を「マスク」して、背景にある画像を出して完成画像としました。

このレイヤーマスクは、他にも色々と利用価値がありますが、まずはレイヤーマスクの意味がわかって頂ければ十分だと思います。

ちなみに、元に戻したいときは、白で塗ると「マスク」されなくなりますので、保存後に再調整も可能です。

文章だけだとわかりにくと思いますので、近いうちに解説動画を作成します。

今回はホワイトバランスについてです。

皆さんは、ホワイトバランスの設定を気にしたことはありますか。

デジタルカメラになって、フィルムカメラとは違いホワイトバランスの設定があるので、よくわからない方はオートにしている人が多く、そのために思ったような色が出ないというケースが多々有ります。

最近ではRAWデータで仕上げる方が多く、仕上げの段階でホワイトバランスが変えることができるので、JPGで撮影（JPGは仕上げの際にWB変更は出来ません）するときほど気にすることは無くなりましたが、そういっても撮影時にモニタで表示された色が印象に残りますので、やはりホワイトバランスは設定したほうがいいでしょう。

では、どのように設定したらいいのでしょうか。

おすすめの設定はデーライト（昼光）です。

これは、フィルムに近い色再現がされるので、フィルムと同じイメージで撮影出来るからです。

そして、デーライトよりも赤み（正確に言うとアンバー色）を加えたいなら「曇天」。更に赤みを加えたいなら「日陰」を選びます。このことから紅葉の撮影では、昼光であってもWBを「日陰」に設定する方もいます。

逆に青み（正確に言うとシアン）を加えたいなら「タングステン・白熱灯」を選びます。

夜景などでは「蛍光灯」モードが画面の緑かぶりを抑えて綺麗に撮影できます。

これらの説明でもうお分かりになったと思いますが、ホワイトバランスとは色変換・色補正フィルターを使用しているのと同じです。

特にフィルムからデジタルカメラに移行された方は、W2・W4・C12・FLWフィルター（Kenkoの表記）を使用する代わりに曇天・日陰・白熱灯・蛍光灯にWBの設定をするのだと思えば理解しやすくなります。

逆に言うと、ホワイトバランスをオートにすると、思いもかけないほど色補正がされてしまいイメージとは違った色になったり、夕焼けの撮影で、色が補正されて赤みが弱くなってしまうこともあります。

よって、基本設定はデーライト、場合によってホワイトバランス設定を変更するようにしましょう。この意味がよく理解できれば、RAWデータで撮影をして、仕上げの際にホワイトバランスを変更する方法でも全く問題ありません。しかし、あくまでモニタでの色再現が作品のイメージなるので、設定はオートWBではなく任意の設定をして撮影することをお勧めします。

尚、撮影タイミング的に設定の変更が間に合わないなら、そのままでも結構です。（RAWデータのみ）

フィルムカメラは、メーカーが発売しているフィルムに色調・コントラスト・階調などを依存していましたが、現在のようにデジタル全盛になってくると、メーカーの色調やコントラスト・階調までも自分でコントロールできる時代になりました。

肉眼で見える世界は、見る人の思い込みで階調やコントラストを変えてみています。俗にいう記憶色もそうです。

ほとんどの方は、実際に見た色調を思い出すのではなく、必ず実際の色調よりも彩度が高くなった映像を思い起こします。当然コントラストもそうです。

ほとんどの場合、写真として表現する際に、メリハリが無いと画像がボンヤリと見えるのでコントラストを高く表現したくなります。

その上、フィルムのキャリアの長い方はリバーサルのようなコントラストが写真として適切なコントラストだと感じていますから、コントラストは高めな表現になります。このことが①のような仕上げになる原因です。では、見た目あまり変わらない②はどうでしょうか？

どこが違うか分かりましたか？

はっきりさせたいという意識から、コントラストを高くして、シャープをかけて必要以上に輪郭を強調してしまう例がよくありますが、過度なシャープはブルーム（輪郭に白い筋が見える現象）が目立ち、階調が欠落して美しい写真とは言えません。

かと言って、ボケたようなコントラストない仕上げではインパクトが不足してねむい（業界用語で、コントラストの弱い締りのない画像を「ねむい」といいます）だけの写真になってしまいます。

先に述べたように、写真を美しく仕上げるためには、見た目の印象をいかに効果的に表現するかです。

ですから、撮影したデータから、全体にコントラストを強調するだけでなく、階調を出すべきところは階調をだして、彩度を上げたり、下げたりして色調もコントロールして自分自身のイメージを完成させます。

そういう意味で、デジタルは本当の「写真表現力」が試されると入っても過言ではありません。

では、どうするのか？

それは、表現するべき技術を学び、適正な判断力をもつ上級者に評価してもらうことです。

コントラストを強調する方法がわかっても、それをどの程度にするか、階調とねむいと言われる差はどこが違うのか。思い込みで仕上げをしていないか。様々な要素は、写真を見る目と、それを解決する方法・技術をもっている指導者にのみ指導可能だからです。

写真を評価することができても、PhotoshopやLightroomなどのツールの使い方を知らず、解決策を見いだせない写真家や、ツールの使い方はよく知っているが、写真そのものをよく知らないパソコンインストラクターに聞いても写真表現は上達しません。

※②の作品は下部の緑の階調を出しています。

オリジナル表現はプリントには適しているが、汎用パソコンでは色再現が忠実であるよりも美しさを重視しているので、Webに合わせた明るい見やすい画像が好まれます。

現在のように、インターネットが普及してきて写真の表現方法も多彩になりました。

写真を趣味にしているという方の中には、プリントしたことのない方も多く見られるようになり、ＳＮＳなどで写真を公開・共有することで楽しむスタイルも、ひとつの写真表現になってきました。この風潮を、とやかくいう気はありません。

写真は元々趣味のものですから、どのような媒体を使用して表現しても構いません。

ところで、当サイトの作品は、これらの表現とは違い、プリントを主たる目的にしています。

よって、アップする作品もプリントする原版を掲載しております。

インターネット向きの作品をアップするなら、明るく彩度の高めの方がいいでしょうが、最終表現をプリントとする本格的な写真を目指す人には、オリジナルに近い形で表現したいとの意図からです。

余談ですが、オリジナルはサイズが大きすぎてネットでアップできないのでやむを得ず縮小画像となっており、プリントには適していませんし、

著作物の無断使用、プリントも著作権の侵害になります。ご注意ください。

このような現代においても、

写真家の作品の価値はオリジナルプリントにあって、ドイツのアンドレアス・グルスキーの作品が3億円という高値でオークションされたのは巨大プリントで少数制作であるからです。

何枚もプリントされたり、小さいプリントでは、その価値は出ません。

ということで、当サイトはこのような意味合いで作品掲載をしております。

ソフトの力に頼った表現はなぜ個性的ではないのか？

たとえば、HDR処理です。全ての階調が出ていて、まるで絵画のような表現をした作品は、今までの写真の概念から言うと十分個性的です。

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http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%8F%E3%82%A4%E3%83%80%E3%82%A4%E3%83%8A%E3%83%9F%E3%83%83%E3%82%AF%E3%83%AC%E3%83%B3%E3%82%B8%E5%90%88%E6%88%90

もっと身近な例で言うとフィルターです。クロスフィルターを使って光の粒を十字にフレアーさせてキラキラと表現した作品です。

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http://www.kenko-tokina.co.jp/imaging/filter/cross/4961607352205.html

これらの作品は、サンプル写真としては効果的なのですが、個性的かといえば誰が撮影しても同じように仕上がるため、個性的とは言えない可能性があります。

では、ソフトやフィルターによる表現は、写真としての価値がないのか、といえばそうではありません。

要は、依存しなければいいのです。

一つの表現に他の表現を加えて、新しい表現にすればいいのです。

創造とは、異質なものの組み合わせによって創造となります。

たとえば、HDR処理をして、そこにモノクロ処理した画像をブレンドして

奥行きをだす。コントラストの強い画像とコントラストの弱い画像をブレンドして、表現したい領域を広げると同時に省略をする。

このような、全く違う画像をブレンドすることによって、単一では成し得ない奥行きの深い画像を表現することが可能です。

もう一つ重要になるのは、撮影した画像です。風景写真なのかスナップ写真なのか、イメージ写真なのか、撮影した画像によって処理する内容も変わってきます。作品の内容によって、階調重視・強コントラストで階調を極端に抑えるなど様々な表現方法を学び、試してみて、表現の幅を広げることは、これからの写真表現を考えるうえで、とても大切なことだと感じています。

スロトボと聞いただけで拒絶反応を示す人が多のですが、利用方法によっては作品にインパクトをつけることが出来るので、とても便利なツールです。

しかし、その使い方はあまり知られていません。

基本的には補助光源として使用する方法が一般的ですが、それ以外にポイント強調にも使われます。（全ての参考作品は焦点距離が28mmです。）

まずは日中シンクロで補助光源とした使用例です。（2の写真）

1.ストロボ無しに日中シンクロをした作品が、2.ストロボ使用になります。この場合は使用している絞りよりも1絞り程度弱い光を当てています。1.の作品はｆ11で1/80秒という露出なので絞り11（GN.11）で1.5ｍ程度での距離から24mmの照射角度です。

実はストロボは光の量も大切ですが、照射角度は作品に大きく関わってきます。このような補助光源として使用する際にはできるだけ広角にして光を回します。もちろん、ストロボの設定を純正ストロボを使用してフルオートで撮影すれば十分画角をカバーできるので問題ありません。

次に、ポイント強調（擬似夜景）の場合です。（4・5）

3.ストロボ無しにあるような、背景を暗くして、スポット的にメインの被写体に光があたっているように撮影したい場合は、画角を望遠側にします。もちろん照射角度が広くても近づけば、当る角度は狭くなりますが、今回のような画角であれば、画面の中にストロボが写ってしまいます。

よって、このような撮影をする場合は、ストロボの照射角度を望遠側にします。この時オートストロボを使っていると照射角度は使用しているレンズの画角になりますので、照射角度をマニュアル（手動）で設定する必要があります。

今回の露出データは3.4.5共に絞り16、1/125秒です。

上段1.2.の露出よりも、かなりマイナス補正をかけて撮影していますので全体は暗くなっています。一見すると24mmのほうがストロボの効果は出ていますが、作品として考えるならば、主題のみに光があたっている方が効果的です。

このようにストロボを使用する際には、補助光として使用する場合、メイン光源として使用する場合によって照射角度を調整するということにもチャレンジしてみてください。

尚、作品はその意図により使用方法が違ってきます。あくまで一例として覚えていただき、状況によって臨機応変に角度、光量・距離を調整しましょう。

近頃、流行りのHDR処理。

写真として違和感がある方もいるかもしれません。

写真は記録だから、後で処理するのではなく、そのままがいいのだ。という意見もあります。確かに写真にはその一面があります。

しかし、ARTとして写真を考えるなら、もっと自由に写真を捉えてもいいと思います。

写真は、最も流動的なARTかも知れません。

ダゲレオタイプが写真の主流だった時に、フォックス・タルボットがネガからプリントする写真を発表して批判を浴びました。何枚も作品を制作できるものはARTではないということです。モノクロ写真全盛の時に、カラー写真も同様の批判を浴びました。そして、フィルムからデジタルへと変わろうとしている現在。同じような批判を繰り返しています。

つまり、写真とは固定化した芸術ではなく、常に流動的なものなのです。

そして、その価値を決めるのは鑑賞者と写真家（写真を撮っている人すべて）によってです。

ここが重要なのですが、新しいものが良く、古いものが悪いというものではありませんし、市場規模が大きいから正解で、マイノリティ（少数派）はダメというものでもありません。

ARTとは常に自由であり、表現の自由があってこそARTであるからです。

ところで、HDR処理ですが、この表現は作品のタイプによります。何でもかんでもHDRにして彩度の強調や階調が出ていればいいのではないので、作品として表現する際に、十分な判断が必要とされますし、そのクオリティも問題です。単純にソフトで簡単にできた。というのではディティールに問題がある場合があります。その中でも、偽色が最も注意すべき点です。画像の輪郭部分に全く違った色収差のような偽色が出ていることがよくあります。ソフトというのは、単純にツールを使って全てが上手くいくわけではありませんので、細心の注意を払って仕上げることをお勧めします。

たとえば、コンテストなどでは、審査員は、この部分をまず間違いなく見逃しません。というよりも直感的にわかるといっても過言ではありません。

審査員は、通常プロの写真家です。プロはアマチュアと違って感覚的に写真の本質を見抜く力をもっています。ブレた作品なども一瞬で判断できます。これは、ピントが合っている作品とテイストが違うからです。最近のデジタル作品で多いセンサーゴミも見逃しませんので、作品の仕上げには、十分なチェックをして応募なり、展示会の発表をするようにしてください。

一番よい方法は、写真の指導者やプロにみてもらうことですね。

少し話がズレているように感じるかもしれませんが、HDR処理は、その表現方法の良し悪しよりも、仕上げに良否によって判断されていると考えて間違いありません。

このヒストグラムは霧の中にある木立を撮影したヒストグラムです。

左（図1）右（図2）どちらのヒストグラムが正解でしょうか。

答えは右（図2）のヒストグラムですが、

では左（図1）のヒストグラムはどうでしょうか。

一般的にヒストグラムは

富士山のように裾野が広がるイメージが

適正露出というイメージが定着しています。

しかし、適正露出という観点から見ると

そうではありません。

つまり、

適正露出はその絵柄によって

ヒストグラムの形が違いますし

白っぽい画像の場合は

右のようなヒストグラム。

黒っぽい画像の場合は

左のようなヒストグラムになります。

ちなみにヒストグラムは

縦方向にピクセルの数（下：少ない/上：多い）

横方向にピクセルの明るさ（左：黒/右：白）

を表したグラフです。

よって、右端や左端にこのグラフが

ついてしまうと階調のない画像

ということになります。

なので、撮影するときは出来る限り

左右の端につかない露出で撮影する必要があります。

時にはハーフNDやストロボを使って

その差を埋めるといいです。

言ってみれば

このヒストグラムは

作品制作に必要な情報を

表しているといっても過言ではありません。

もちろん

写真はデータが全てではありませんから

このヒストグラムとカメラの液晶画面を

同時にご覧になり、

理論と感覚を同時に把握して

適正露出を導き出すようにしてください。

具体的には、Lightroomのような

画像処理ソフトを使うことで

その意味合いがわかってくると思います。

尚、解説本ではツールの使い方は

説明されていますが

写真を仕上げるプロセスは

記載されていません。

講座や添削などを受けて

方法論を学ぶことは

仕上げのスキルアップに

欠かすことは出来ませんね。

最後に上のヒストグラムの画像は

この下にあります。

参考にしてください。

※こちらの画像はオリジナルデータで完成画像ではありません。

今回は、以前ブログでコメントした内容の補足的な意味合いでのブログです。

内容が重複している部分もありますが、

再認識するという意味でお読みいただければ幸いです。

最近のスポーツなどで「楽しみたいと思います」

というコメントが多くなっていることに気がついていますか？

オリンピックで楽しむとは言語道断だ。

国費を使って参加するのに、楽しむのでは困る。

勝ちに行けとのコメントをして避難を浴びた文化人がいますが、

この人はスポーツをしたことが無いんだと思います。

つまり、イメージ力が足りない。

 以前にもコメントしましたが、

その言葉の真意を考えずに、選手の立場になって

考える力が不足しているのだと思います。

 想像力のない人は創造力のない人とも言えます。

洒落じゃありませんよ。

 ところで、この楽しむという言葉

オリンピックに参加する選手は、言われなくとも

どれほど日本の期待を背負っているかわかりません。

その精神状態といったら、できれば辞めたいとさえ

思っている人もいるはずです。

期待に応えなければ、という気持ちと

自分の実力を発揮しなければ

という気持ちが常にあって

とても、平常心ではいられない筈です。

そんな状態だからこそ、リラックスして

いつものように行動できる状態に

するという気持ちから

「楽しみたい」という言葉が出てくるのです。

逆に言うと楽しめる状態では無いからこそ

楽しみたいという言葉がでるのです。

写真の仕上げに関してもそうです。

写真の仕上げは、とてもストレスの掛かる作業です。

ましてや、最初は全くうまくいかない。

こんな時の精神状態は、自暴自棄になったり

イライラしたりするのは当然です。

だからこそ、好きで始めた写真の感動や楽しさを

再認識して楽しむという気持ちにするのです。

これが、リラックスした状態を誘導して

長時間の作業にも耐えるスキルが身につくのです。

そして、スキルアップすると

逆に時間はかからなくなる。

これによって、本当に楽しいと思える

珠玉の時間、三昧の境地になるのです。

 ということですので、

みなさんも楽しんでください。

皆さんはイメージ力についてどう思いますか？

作品をイメージを持って作成する。

撮った原版をみて、色々と仕上げているうちに

イメージが湧いてきて作品になっていく。

撮っても、仕上げてもイメージが湧かない。

撮ったらたまたま作品としての雰囲気があった。など

色々とあると思います。

実はイメージ力とは

毎日どう思っているか。

ということに密接に関係しています。

よく妄想するという人がいますが

これもイメージ力です。

イメージとは、まさにこれなんです。

この日常のイメージ力が作品制作へと

繋がってきます。

なんとなく、

こんな感じでいるとき、

人は悪い方に

イメージが湧いてきます。

これが自然です。

写真を撮りに行ったら

雨が降ってきた。

これじゃ濡れちゃうし

写真は撮れないな…

こう思った瞬間、イメージが減退し始めます。

当然、現地についた時に

いい被写体を探す眼（力）がなくなっています。

当然の結果として、

いい作品を撮ることは不可能です。

ちなみに、

レタッチや仕上げの技術をもっている人は

被写体を見た時に仕上げのイメージも同時に

出来上がっています。

ですから、撮影は逆算した結果といえます。

これは、どんなジャンルでも一緒です。

イメージ力なくして結果は無い。

肝に銘じましょう。

余談ですが、

解説動画を見た時の人の反応で

イメージ力が分かります。

動画が長い

動画が早すぎてついてけない

多すぎて見るのが大変だ

これって、

イメージ力が不足していますね。

多くの動画を作成するときの時間は

録画時間の数倍かかります。

例えて言うなら

私の作る5分程度の動画は

動画作成のスキルがあっても

2時間は確実にかかります。

タイトルを入れたり、

間に矢印コメントなど

何度も見返して

皆様に分かりやすい動画をと

心がけて作成し、

無料で提供しています。

どういう意味かわかりますか？

楽しみましょうと言っているときは

楽しめないぐらい大変だから言っているのです。

以上の言葉が分かる方はイメージ力が高い方です。

おめでとうございます。